21 мая в Строгановском дворце открывается персональная выставка известного петербургского художника Александра Агабекова. Экспозиция, знакомящая с основными этапами творческого пути мастера, включает более 130 произведений 1960-х-2010-х: живописные и графические работы, коллажи и художественные объекты из коллекции Русского музея и собрания художника.
Выставка позволяет проследить, как развивались основные темы творчества художника за почти пятнадцать лет, прошедших после его первой выставки в Русском музее (2001).
Творческий путь Александра Суреновича Агабекова (р. 1936) начался в 1960-е годы, ознаменованные переменами в культурной жизни страны. Русский авангард начала века еще не был открыт заново, и имена Кандинского, Малевича, Татлина и Филонова не были известны широкой публике. Однако именно традиции авангарда, связь с которыми осуществлялась от художника к художнику, от поколения к поколению, стали одной из составляющих обновления в послевоенном искусстве.
Агабеков оказался едва ли не в эпицентре этого процесса, и огромную роль в становлении таланта художника сыграло его общение с учителями, друзьями и единомышленниками - Александром Ведерниковым, Владимиром Волковым, Евгением Ковтуном.
"Встреча с Александром Семеновичем Ведерниковым сыграла решающую роль в моей творческой жизни", - писал Агабеков в автобиографии. Именно под его руководством Агабеков, студент архитектурного факультета ЛИСИ, начал заниматься литографией. Ведерникову художник обязан пониманием основ "живописной культуры"; он направил его интерес к наследию русского искусства 1910-1930-х годов и повлиял на решение Агабекова оставить профессию архитектора и целиком посвятить себя творчеству.
Первые работы Агабекова 1960-х напоминают о Ведерникове: в пластическом решении листа художник использовал лапидарные формы, яркие цвета. Из городского и крестьянского фольклора он черпал незатейливые мотивы, в которых главенствует атмосфера празднества или воспеваются тихие радости обыденной жизни. Обычный предмет или сцена из повседневной жизни преображаются в объект искусства. Как говорит сам Агабеков, его волновало все, что "зацепил" его глаз ("Стрижка овцы", 1967; "К обеду", 1969; "Сбор свеклы", 1969; "В избе", 1970; "Маленький флейтист", 1975; "Пара (Вдвоем)", 1979; "Перед спектаклем", 1979). Часто повторяющиеся, мотивы переходят из произведения в произведение, со временем обретая все более символическое выражение.
В числе первых, кто по-настоящему оценил талант Агабекова, был историк и пропагандист русского авангарда Евгений Ковтун, приведший художника в запасники Русского музея и познакомивший его с произведениями Малевича, Филонова, Кандинского, Татлина.
Изучение авангарда стало импульсом собственных исканий Агабекова в направлении "минимум средств - максимум выразительности". Оглядываясь на достижения авангарда, художник в своем искусстве использует особые знаки и символы ("Светофор", 2003; "Китайский фонарик", 2006; "Купола", 2008; "Кашпо", 2011).
С начала 1970-х годов Агабеков много работает в смешанной технике. Основой большинства композиций стала акварель, в которую постепенно внедрялись новые материалы - ткань, фольга, бумага, создающие подобие рельефа. Смешанная техника позволяла большую раскованность, а контрасты усиливали остроту зрительского восприятия.
Обостренное чувство пространства, которое присуще Агабекову как архитектору, потребовало новых решений. Они реализуются в объектах и коллажах на стекле, среди которых особое место занимают двухсторонние, многослойные коллажи - патентованное изобретение Агабекова.
В 1970-е годы Агабеков создает коллажи, в которых в равной степени соединились достижения авангарда (результат знакомства с работами Кандинского и Дымшиц-Толстой на стекле) и его воспоминания о картинках на стекле, выполненных мастерами-кустарями и продававшихся на рынке родной Петроградской стороны.
Агабеков использует жатую фольгу, бумагу и ткань, соединяя эти материалы с традиционными приемами масляной живописи и стараясь избегать видимых противоречий между ними. Новаторские методы Агабекова создают пластический "образ" пространства, предлагая пережить ощущения, близкие к ощущению реального пространства ("В баньке", 1978; "В деревне", 1979; "Клоун", 1980).
В 1990-е в своих пространственных композициях, наряду с привычными материалами, Агабеков все чаще использует зеркало ("Горящая свеча", "Белая ночь", "Дорога в горах"; все - 1999). Светоотражающая поверхность обогащает композиции бликами, создавая эффект вибрации.
Воспоминания детства, мистерия театра, природа и окружающий мир: в последние два десятилетия сюжетная мотивация произведений Агабекова мало изменилась, хотя и требует большего зрительского соучастия. Отдаляясь от внешнего подобия, реальность воплощается в пластических формулах, где первостепенное значение имеют собственные мысли и переживания.
Выставка организована при поддержке проекта "Свободные художники Петербурга"
